Un león sin testículos

Sobre los leones del Congresos de los Diputados de Madrid hay varias curiosidades que vale la pena repasar.

En primer lugar sus nombres. Mucha gente desconoce que se llaman Daioz y Velarde, como dos de los personajes más relevantes del levantamiento del dos de Mayo contra Napoleón.

Otro dato que mucha gente ignora es que los actuales leones no son los primeros. Son la tercera pareja de Leones del Congreso.

La primera pareja eran de yeso pintado, imitando el bronce. Fueron obra de Ponciano Ponzano (Zaragoza 1813- Madrid 1877). Los realizó en 1851 y utilizó unos materiales tan poco nobles debido a la crisis económica de la época. El resultado fue un desastre. En pocos meses, la lluvia y el frio dejaron en un estado lamentable a la pareja de leones.

Se decidió entonces hacer un esfuerzo económico y realizar unas obras más duraderas. El problema fue que el presupuesto de Ponzano era inasumible y se hizo el encargo finalmente a otro escultor: José Bellver (Ávila 1824- Madrid 1869)

La segunda pareja se esculpió en piedra, pero eran tan pequeños que la gente bromeaba diciendo que eran perros rabiosos y no leones fieros. Finalmente se retiraron y ahora se encuentran en Valencia, en los Jardines Montforte.

Y así llegamos a Daoiz y Velarde. Son obra de Ponzano, el escultor de los primeros leones. Para su elaboración se utilizaron los cañones que el ejército español capturó al enemigo en la Batalla de Wad-Ras, en la Guerra de África, en 1860.

Tras diversas polémicas por el origen militar del bronce de las esculturas, finalmente, en 1872 se colocaron en el lugar que ocupan en la actualidad.

En 2012 se inició una campaña para solicitar que a uno de los leones le pusieran testículos, ya carecía de ellos, mientras que su compañero los lucía con orgullo.

La campaña puso de relieve una nueva curiosidad, y es que el escultor representó a Hipómenes y Atalanta, héroe y heroína de la mitología Griega que fueron convertidos en leones por la Diosa Cibeles (de hecho son los leones que tiran de su carro)

Y claro, como Atalanta era mujer, la convirtió en un león sin testículos.

El "Realismo Austero" de Isabel Quintanilla

Hace unos días conocimos el fallecimiento de Isabel Quintanilla a la edad de 79 años. Es muy posible que mucha gente desconozca quien era esta mujer, lo cual no es noticia, ya que como tantas y tantas pintoras de este país vivía en el anonimato para el gran público. Era la más joven del grupo de “Realistas Madrileños”, junto a Antonio López, los hermanos Julio y Francisco López Hernández, María Moreno, Esperanza Parada y Amalia Avia.

El vaso (1966)

 

Nacida en Madrid en 1938, Isabel Quintanilla, ingresó en la Escuela Superior de Bellas Artes en 1953, y finalizó sus estudios seis años después. En 1960, obtuvo una beca como ayudante de dibujo en el Instituto Beatriz Galindo. Poco después de su boda con Francisco López  se trasladan a Roma. En 1982, por la Universidad Complutense de Madrid  obtuvo la licenciatura en Bellas Artes.

 

Fue una pintora excepcional, con una técnica depurada pero que jamás contó con el reconocimiento que se merecía. Era un caso más la invisibilidad de la mujer artista. “Para nosotras ha sido mucha más difícil que para nuestros maridos”, manifestó en una ocasión.



La habitación de costura (1974)

Tuvo su reconocimiento en Italia y Alemania, países en los que vendió casi toda su obra y era valorada por su estilo “realista y austero”

Nos dejó la pintora, pero nos queda su obra. Quizás ahora se reconozca su talento.



Roma (1999)



Jardín (1966)

Disney "censura" a Fragonard

Probablemente una de las películas más exitosas de Disney de los últimos años es “Frozen”. El argumento: La optimista princesa Anna realiza un largo y difícil viaje junto al joven montañero Kristoff y su reno Sven, para encontrar a su hermana Elsa, cuyos poderes mágicos para crear hielo han provocado un invierno eterno.

Es una típica película de la factoría Disney, con humor, acción, canciones y guiños a otras películas. Y está dirigida, como todas las de Disney, a un público infantil y familiar. Y es por eso que en ella se produce un hecho curioso. Una “censura” en toda regla.

En un momento de la película, la protagonista Anna canta y baila en el castillo acompañada sólo por las obras de arte que hay en él. Y uno de los cuadros es la clave. Se trata de “El columpio” de Jean-Honoré Fragonard (Grasse, 5 de abril de 1732 - París, 22 de agosto de 1806).

La obra original está cargada de sensualidad. Lo que muestra el cuadro es una dama que se divierte mientras es columpiada por su marido, bastante mayor que ella. Lo hace ante la mirada pícara de su joven amante. Éste se ha escondido y disfruta de lo que ve entre las enaguas de la dama, mientras ésta lanza, con supuesta inocencia, su zapato hacia adelante.

 

El cuadro se pintó en 1767, y se dice que fue un encargo que acabó siendo rechazado por demasiado osado, ya que se entendió que daba una imagen frívola de la infidelidad matrimonial.

Y con estos datos, queda claro que en el mundo Disney no tenía cabida semejante imagen. La princesa Anna acaba saltando hacia el cuadro y ocupa el lugar de la Dama. Por eso, como vemos, se ha eliminado al joven amante y mirón, y al marido le han rejuvenecido 20 años para que se convierta en un auténtico príncipe encantador que sí encaja en el mundo Disney.

Y así, incluso una obra tan irreverente como “El columpio” puede entrar en el cándido universo Disney.

El héroe que salió del mármol

Hay una célebre frase que se atribuye a Miguel Ángel (Michelangelo Buonarroti, (Caprese, 1475, Roma, 1564) que se ha convertido en todo un clásico para los escultores: “Come posso fare una scultura? Simplemente rimuovendo tutto locco di marmo non è necesario” (¿Cómo puedo hacer una escultura? Simplemente retirando del bloque de mármol todo lo que no es necesario)
Esta idea de ver la obra dentro del mármol y dejarla salir se hace más curiosa en una de sus creaciones más conocidas: El David. 



Para esculpir esta magnífica obra, que representa la historia bíblica de la victoria de David ante el gigante Goliat con una simple honda, Miguel Ángel utilizó un bloque de mármol trabajado por diversos artistas anteriormente. Dejaron tan maltratada la piedra que hubo quien dudó de que se pudiera aprovechar. Hasta que Miguel Angel “retiró todo lo que no era necesario”.

El bloque de mármol de 18 pies de altura (5,50 metros) se extrajo de la cantera de Carrara, y se transportó por mar hasta el rio Arno, que remontó hasta Florencia. Se le llamó “Il Gigante” y se le ofreció a Simone da Fiesola para esculpir un personaje del Antiguo Testamento. El escultor fracasó y dejó el bloque tan dañado que fue abandonado durante años.

Posteriormente, otros dos escultores florentinos: Agostino di Duccio y Antonio Rossellino intentaron trabajar el bloque pero fracasaron también y lo abandonaron a medio esculpir.

Frustrados por no haber conseguido una gran obra para Santa María del Fiore, las autoridades de la Opera del Duomo buscaron un escultor que fuera capaz de esculpir un David.



El encargo recayó en Michelangelo Buonarroti, que había realizado en 1499 la Pietà del Vaticano, encargada por el Papa Julio II. En 1501, veinticinco años después de que Rossellino abandonara el bloque de mármol, Miguel Ángel acepta el encargo, y tras dos años de trabajo acabó el David.

Para esculpirlo, el artista renacentista prescindió de los modelos sobre yeso o terracota previos, y se dedicó a trabajar directamente sobre el mármol. Y utilizó el cincel perimetralmente, ya que quería que su obra fuera vista desde todos los lados (en contra de la costumbre de realizar obras para ser observadas frontalmente).

David de Donatello

David de Verrochio

Las diferencias del David de Miguel Ángel con otros conocidos, como los de Verrochio o Donatello son diversas. En la obra de Buonarroti no aparece Goliat, como sí ocurre en las demás. Aquí, el héroe es un hombre musculoso, no un muchacho delgado como en las otras obras. En esta ocasión no aparece victorioso, sino con la tensión previa al combate. Y finalmente, las proporciones no se corresponden con las clásicas: La cabeza, las manos y el tórax del héroe son más grandes de lo normal.
 
La escultura se apoya en el pie derecho y se balancea hacia la derecha. La cabeza gira a la izquierda y los hombros se ladean en sentido contrario a las caderas. Se genera así un “contrapposto” (oposición armónica de las distintas partes del cuerpo de la figura humana, lo que proporciona cierto movimiento) Era un efecto muy valorado en la época, pero en realidad, todo ello fue la consecuencia del gran hueco en el lado izquierdo del bloque de mármol.

El David se convirtió en el paradigma de la escultura renacentista y el bloque de mármol originó su “contrapposto”, el más elegante jamás esculpido.

El significado de los colores (VI): Verde

El verde es el color de la naturaleza, de la vegetación y de la hierba. Provoca sensación de tranquilidad, paz y armonía. Por ello, se asocia a la fertilidad y a la vida.

Su presencia en la naturaleza le ha hecho ser adoptado como el color de los ecologistas y los vegetarianos. También representa el reciclaje y la sostenibilidad.

Indica la inmadurez de la fruta, con lo que lo relacionamos con la juventud y la inexperiencia. “Estar verde” en algo indica poco dominio de una competencia. La letra L mayúscula de los conductores noveles es blanca en fondo verde.

También tiene un componente provocador. Los chistes verdes tienen un alto contenido sexual.

Como la mayoría de los colores, tiene significados positivos y negativos. Se le considera un color de buena suerte (el trébol verde simboliza la fortuna), pero también representa el veneno y la envidia.

Su significado es positivo en relación con el dinero (por el color del dólar americano), o con la tendencia alcista de la Bolsa en Occidente, pero en las Bolsas de Asia Oriental indica pérdidas.

Y nos señala la seguridad en las playas (Bandera Verde) o vía libre en el semáforo, pero a su vez, en algunas culturas es el color de peligro por ser el color de muchas serpientes y cocodrilos. E incluso los “alienígenas” son “hombrecillos verdes”.

Al combinarse con otros colores se modifica el significado. Así, la combinación con Azul acentúa la sensación de frescor, mientras que al hacerlo con amarillo se asocia con lo amargo.

El verde se considera el color del Islam ya que era el color de la bandera de la dinastía Fatimí, que dominó el Norte de África durante siglos.
Para el cristianismo, es el color de la esperanza (por la llegada del Mesías)

Por último, en el siglo XIX era un color mortal en sentido literal. El motivo era el contenido de arsénico del tinte verde de los vestidos y telas. Se utilizaban dos tinturas diferentes: el Verde París y el Verde de Scheele.

El Verde París tenía en su composición unos 4 gr de arsénico por m2 de tejido, mientras que el Verde de Scheele se obtenía del arsenato de cobre. Ambos tintes son altamente tóxicos y se utilizan actualmente como insecticides.

La leyenda dice que Napoleón Bonaparte murió intoxicado por el arsénico del papel pintado de su casa en el exilio de Santa Elena.

El significado de los colores (V): Rojo

El Rojo es el color que se asocia con el amor y la pasión. Pero también con la timidez (nos ruborizamos) y con la ira. Es el color de la sangre y por ello no nos deja indiferentes (para bien o para mal)
Así como los niños prefieren el color amarillo, los adultos prefieren el rojo.

Es un color masculino para el Cristianismo: Sirve para representar a Jesús y a Dios Padre, mientras que a la Virgen María se le representa con colores azules.  También lo era en el Antiguo Egipto: a las mujeres se les otorgaban colores amarillentos, y a los hombres, rojizos.

Otro rasgo de masculinidad es su asociación con el calor y el fuego (masculino) opuesto al frio y el agua (femenino).

Pero hay un tono de rojo muy femenino: El Rojo Oscuro o Carmín. Se le asocia a la fertilidad y a la sensualidad.

Hay estudios que dicen que el Rojo nos hace más atractivos. En concreto, en 2008 se comprobó que la mayoría de los hombres se sienten inconscientemente atraídos por mujeres vestidas de rojo.

En China se le considera el color de la felicidad. De ahí la predominancia del rojo en las decoraciones de las celebraciones. O la costumbre de regalar huevos Rojos en Año Nuevo. O de utilizar papel rojo para envolver los regalos.

Es un color que se utiliza para cosas importantes: El botón Rojo (acostumbra a ser el último recurso), la Alfombra Roja (destinada a gente importante), el Teléfono Rojo (para comunicaciones de alto nivel)

Mundialmente, el rojo representa el peligro y la prohibición, como en los semáforos de todos los países del mundo.

Los números rojos indican deuda (los contables italianos fueron los primeros en utilizar tinta roja para los números negativos y negra para los positivos). También indica pérdidas en las Bolsas Occidentales (no así en las Asiáticas, que indica subidas)

Ciudad Prohibida, China

Es el color que se relaciona con el Comunismo (La bandera Roja de la Unión Soviética), y es el color con el que se denomina a los Republicanos en la Guerra Civil España: los “Rojos”.

La ropa roja era exclusiva del emperador de la China Imperial (las paredes de la Ciudad Prohibida son rojas). También era de uso exclusivo en la Roma Antigua: Sólo para el Emperador y los Senadores.

Es el color que más llama la atención. Por ello, en Publicidad se utiliza mucho. Su carácter estimulante y energético se supone que incita al consumo. Lo vemos asociado a refrescos de Cola, cajetillas de tabaco y cajas de bombones.

 

El significado de los colores (IV): Amarillo

El amarillo es un color primario. Se asocia con la alegría, el calor, la actividad y el Sol. Estimula la actividad física y menta, y es el color favorito de la juventud, sobre todo de los niños.

Es un color contradictorio, ya que puede significar una cosa y su contraria. Por ejemplo, por su parecido con el dorado, se asocia con la madurez y la vejez, como en la expresión “años dorados” y como en las páginas de los libros que amarillean con el tiempo. En cambio, los cabellos rubios se asocian con la juventud y la belleza. Los griegos representaban todas las deidades con cabello rubio.

El beso de Judas (1305) de Giotto

El catolicismo también utiliza el color amarillo tanto en positivo como en negativo. Mientras que representa a Dios con un triángulo amarillo (símbolo de la sabiduría), también eran amarillos los vestidos de los herejes que la Inquisición llevaba a la hoguera. También es el color de la traición y se usa para representar a Judas Iscariote.



Que la mayoría de las flores sean amarillas no es casualidad: Las abejas son ciegas al color rojo, con lo que tienden a polinizar las flores amarillas. Es el color del verano, de la fruta madurando y de la espontaneidad.

El amarillo claro indica inteligencia (una bombilla encendida indica una buena idea). De hecho muchas veces “Claridad” se usa como sinónimo de “Inteligencia”. De ahí el "Siglo de las Luces" o la "Ilustración" como épocas de especial trascendencia intelectual. Pero siguiendo con la contradicción, el amarillo pálido representa la enfermedad y la envidia.

El amarillo es un fuerte reclamo de atención, por lo que se utiliza habitualmente en muchas señales de tráfico y en taxis de muchas ciudades. En cambio, cuando se combina con blanco se diluye. Por eso, la mejor combinación para llamar la atención es el amarillo con el negro.

En heràldica, el amarillo es el Oro. El color de lo divino, de los hombres que triunfan en las pruebas y adquieren la gloria.

Cuando se combina, el color amarillo modifica su mensaje. Junto con verde se relaciona con el veneno y lo amargo. Con naranja, recuerda a la yema de huevo y se asocia con la alimentación.

Clytie (1886) Evelyn de Morgan

 

En la mitología griega, es el color de la pasión: El Dios Helios cansado de que Clitia le espiara, la convirtió en girasol y la condenó a mirar al Sol eternamente. Por ello se considera el amarillo el color de la pasión.

En publicidad, se utiliza como color de la creatividad. Pero insistiendo con su contradicción, se aconseja no abusar ya que tiene simbologías negativas, como la cobardía y la locura. En cualquier caso, su capacidad para atraer la atención lo hace muy apto para un logo.

Logo McDonald’s: 1962. Jim Schindler

 

"Eileen", el robo más surrealista de la historia

En la historia de los robos de piezas de arte, quizás el caso más surrealista sea el de “Eileen”.

El marchante de arte Scott Wilson creó en 1993 el Museo del Arte Malo, cuyas siglas en inglés MOBA (Museum Of Bad Art) juegan al equívoco con las del famoso MOMA (Museum Of Modern Art).

Se trata de un proyecto para recuperar del ostracismo a las obras que por su baja, o nula, calidad jamás iban a exponerse en un museo.

Y una de esas obras, “Eileen” by R. Angelo, encontrada en la basura (con un tajo en la tela) por Wilson y expuesta en el museo sin restaurar, fue sustraída en 1996. Los estupefactos responsables del museo ofrecieron una recompensa de 6,50 dólares a los ladrones para recuperar la obra. La cifra subió a los 36,73 dólares gracias a las aportaciones de los visitantes.


Pero la oferta no fue aceptada.

Casi diez años más tarde, los ladrones pidieron 5.000,00 dólares de rescate. No hay constancia de que se produjera un ataque risa en el museo, pero en cualquier caso no se aceptaron las condiciones de los delincuentes. Finalmente la obra fue devuelta (con el tajo en el lienzo) sin que se pagara ningún rescate por ella.




En cualquier caso, el robo de “Eileen” provocó que se colocara en el Museo una cámara de seguridad, aunque falsa, tal como avisaban en un cartel.

PINTAR EL DOLOR. FRIDA KAHLO

Cuando Frida Kahlo tenía 18 años era una prometedora joven, que arrastraba las secuelas de la poliomielitis e iniciaba sus estudios de Medicina. Su única relación con el arte era haber realizado trabajos esporádicos en el taller de grabado e imprenta de Fernando Fernández Domínguez,  un amigo de su padre.

El 17 de septiembre de 1925, con 18 años, Frida sufrió un accidente gravísimo. El autocar en el que viajaba se estrelló contra un muro tras colisionar con un tranvía. La joven quedó aplastada entre los restos del autocar, con múltiples heridas: la columna rota en tres partes, las dos clavículas y varias costillas fracturadas, la pierna derecha rota por once sitios y otras muchas lesiones.

Las limitaciones de la medicina de la época hicieron que viviera a partir de aquel momento una auténtica tortura. Hasta el día de su muerte, se sometió a 32 operaciones quirúrgicas. 

La gravedad de sus lesiones recomendaban el reposo casi absoluto, y Frida Kahlo comenzó una actividad que le permitía mantenerse ocupada moviéndose lo menos posible: la pintura. Se inicia de esta forma la carrera de la artista más influyente de la pintura mejicana.

Su obra tiene una influencia clarísima de todas sus vivencias, con una presencia constante de la muerte y el sufrimiento. Podemos observarlo en uno de sus obras más simbólicas: El sueño (1940)

Se trata de un óleo de 75x98 cm, en el que vemos la cama con dosel en la que dormía la artista. Incluso se observa un esqueleto en el dosel, como el que tenía realmente. Ella se representa a sí misma durmiendo envuelta en un arbusto: la “tripa de Judas”. Se trata de una planta abundante en México que, aunque tiene propiedades medicinales en infusión, su contacto directo es muy urticante.

El esqueleto es una recreación el Papel Maché de Judas, y observamos los fuegos artificiales típicos que le ataban a esta figura para quemarla en Semana Santa. Es la forma de representar el suicidio del apóstol traidor y al hacerlo explotar se pide que libre al país de la Corrupción.

 

Por tanto, el simbolismo de esta obra es triple. Por una parte la figura de la muerte en forma de esqueleto. Por otra, los fuegos artificiales alrededor de la figura, para pedir el fin de la corrupción. Y finalmente, representada por el arbusto urticante, el dolor físico y emocional que sufría la pintora: Mientras ella yacía dolorida en su cama, se cuenta que su marido, el muralista Diego Rivera, veinte años mayor, aumentaba su fama de conquistador en otras camas.

MONDRIAN HASTA EN LA SOPA



Si alguien nos pregunta por Mondrian, seguro que nos viene a la mente uno de los cuadros más famosos del pintor neerlandés, la “composición en rojo, amarillo, azul y negro” que pintó en 1921.

Piet Mondriaan,1921-Composition en rouge, jaune, bleu et noir

Y es que, aunque Pieter Cornelis Mondriaan (Amersfoort (Paises Bajos), 7 de marzo de 1872 - Nueva York, 1 de febrero de 1944), pintó innumerables obras, incluyendo retratos y bodegones, es por sus “composiciones” por lo que es mundialmente conocido.

Los cuadrados blancos, rojos, amarillos y azules, separados por líneas negras se enmarcan en lo que se conoce como abstracción geométrica. Con ello el autor intenta encontrar la “estructura básica del universo”, representando el no-color blanco con todos los colores básicos y el no-color negro con la ausencia de color. La eliminación de las texturas, de las formas, de las curvas, busca la esencia de lo absoluto bajo la realidad.

En resumen, lo que pretende es eliminar toda representación de "lo que vemos" para dejar al descubierto su estructura, su “arte puro”.

Su influencia fue muy fuerte en sus círculos próximos, y consiguió que su concepto asimétrico traspasara las dos dimensiones gracias a Gerrit Rietveld que construyó en 1924 la casa Rielvelt Schröder en la ciudad de Utrech como un cuadro de Mondrian.

 Pero la realidad es que con el tiempo la estética ha superado el mensaje y su composición ha sido adoptada por los diseñadores como un icono por el color y la forma.

En la moda, con Yves Saint Laurent, un incondicional de Mondrian.

En objetos cotidianos, como zapatillas de deporte (Nike Dunk Low SB Piet Mondrian) y máquinas de escribir (la Modrian Typewritter de Kasbah Moderne)

 



 

Bernard Hinault en 1984

  Un maillot de ciclismo (el del equipo La Vie Claire, en los 80), un coche de carreras (el equipo francés Oreca, en Lemans), o el champú L'Oreal.

 

           Y si quieres, puedes comerte un pastel Mondrian, ...

 

 

o tomarte una sopa en una taza Mondrian