domingo, 13 de mayo de 2018

El animal que pasó tres siglos oculto bajo la pintura

Muchos de los grandes cuadros la historia del arte ocultan un secreto, un “doble fondo” o una curiosidad. Es el caso del “Escena en la playa” de Hendrick Van Anthonissen (Amsterdam, 1605-1656).
El cuadro, pintado en 1641 representa un grupo de personas en la orilla de una playa. Están mirando al mar, en apariencia a unos barcos que se ven en el horizonte.
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Escena en la playa (1641)
Pero en 2014, durante una restauración, tras eliminar una primera capa de barniz, quedaron a la vista unas extrañas marcas. Lo que, al principio, parecía el repintado de un desperfecto, acabó siendo un elemento original de la obra: Una ballena varada en la playa.
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Escena en la playa (después de la restauración) Detalle
 En cuanto apareció el cetáceo, la composición de la obra cobra sentido: Es la ballena lo que provoca la curiosidad de las personas de la playa.
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Escena en la playa (después de la restauración)
¿Pero por qué ocultó Van Anthonissen al animal del cuadro? No podemos saberlo con certeza pero la teoría más consistente dice que el pintor holandés habría eliminado la ballena porque provocaría rechazo entre el público de la época, más acostumbrado a paisajes más costumbristas.
En cualquier caso, el animal estuvo varios siglos oculto en el cuadro bajo de capas de pintura y ahora luce con todo su esplendor en el Museo Fitzwilliam de Cambridge

domingo, 8 de abril de 2018

Las esculturas gigantes de paja

El “land art” es una corriente de arte contemporáneo que busca unir la naturaleza con la obra artística. Utiliza para ello materiales como piedra, madera, arena, agua,… y transforma el paisaje en una obra de arte, en ocasiones de gran tamaño. Y debido a los materiales y a encontrarse a la intemperie muchas veces son obras efímeras.
niigataUn ejemplo de “Land art” lo encontramos cada año en Japón, en el Wara Art Festival.

niigataniigataAl llegar el otoño comienza la temporada de cosecha del arroz. En la pequeña ciudad de Niigata decidieron utilizar la gran cantidad de madera y paja generada tras la recolección para conseguir visibilidad turística. En 2008 la Secretaría de Turismo pidió a la Musashino University of Art consejo para organizar un festival de esculturas gigantes. El resultado es espectacular.
Bajo las directrices de la Universidad, los estudiantes de Niiagata construyen unas monumentales esculturas de paja que puede visitarse durante sólo dos meses, ya que acaban por degradarse y servir de abono para la siguiente cosecha.

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Todo un mundo de criaturas nacidas de la naturaleza y que vuelven a ella al poco tiempo. Un curioso ciclo de la vida.

domingo, 11 de marzo de 2018

Una curiosidad sobre "Las Meninas" de Velázquez

Uno de los cuadros más emblemáticos de la historia del Arte en España es, sin duda, Las Meninas de Diego Velázquez (Sevilla, 1599, Madrid 6 de agosto de 1660). Y este cuadro famosísimo tiene una curiosidad que no todo el mundo conoce: Se modificó años después de haberse acabado (incluso podría ser que tras la muerte del pintor sevillano)

 meninasEn el cuadro se representa una escena cotidiana: El pintor de la corte pinta un retrato, al parecer de Felipe IV y la reina Mariana de Austria (los vemos reflejados en un espejo al final del cuadro), mientras a su alrededor observan la infanta Margarita y sus damas de compañía (Las Meninas), María Agustina Sarmiento e Isabel de Velasco, y los enanos de la Corte, María Bárbola y Nicolasillo Pertusato.

La escena las completan tres personas: don José Nieto, aposentador de Palacio, a quien vemos en la escalera, y doña Marcela Ulloa, y un guardadamas cuyo nombre se desconoce. Finalmente, en primer plano podemos ver al perro de compañía de la Infanta Margarita.

El cuadro se pintó en 1656, cuadro años antes de la muerte del pintor y es el cuadro más grande que pintó, con un tamaño de 318 cm x 276 cm.
meninas

La modificación a la que nos referíamos es la cruz que luce en el pecho Velázquez, que corresponde a su título de Caballero de la Orden de Santiago, que se le concedió en 1660.
¿Cómo aparece entonces la Cruz de la Orden en su pecho si el cuadro lo acabó en 1656 y no fue nombrado caballero hasta 1600? Lo que está claro es que fue añadida con posterioridad, pero lo que no está claro es quién lo hizo. ¿Quién tuvo la “osadía” o el “honor” de pintar sobre uno de los cuadros más emblemáticos de la historia?

velazquez
Los que han estudiado la obra y la época en la que se pintó han reducido a tres a los candidatos a añadir la cruz:
El propio Velázquez, ya que desde que recibe el título hasta su muerte tuvo varios meses para hacerlo, aunque hay quien afirma que no sería de su agrado ni la ostentación ni la modificación de su obra.

Su discípulo y yerno, Juan Bautista Martínez del Mazo, que recibiría el encargo de pintar la cruz.
Y, finalmente, el propio Rey Felipe IV, para que quedase para la posteridad el título que se le concedió al pintor sevillano.

La leyenda se inclina por el tercer candidato. Y es que la historia de un Rey agradeciéndole así a un artista su obra no deja de tener un punto romántico. ¿O no?

domingo, 25 de febrero de 2018

El MUSA, el mayor Museo Subacuático del Mundo

En 2008, el director del Parque Nacional de Cancún, el Dr. Jaime González Cano, preocupado por la degradación del fondo marino del parque, se reunió con el presidente de Asociados Náuticos de Cancún,  Roberto Díaz Abraham, para buscar una solución. La gran afluencia de turistas estaba afectando negativamente a la salud de los arrecifes.
Tras barajar diversas posibilidades se decidieron por una novedosa solución. Para fomentar la regeneración de los arrecifes y mantener el interés turístico crearían un espacio artístico singular.
MUSA

Contactaron entonces con el artista británico Jason deCaires Taylor, y meses después fundaron el Museo Subacuático de Arte (MUSA).El museo se inauguró a finales de 2010 y en la actualidad está considerado como una de las mayores atracciones submarinas del mundo.
La interactuación entre las esculturas y el mar provoca una “co-creación entre el humano y la naturaleza”, ya que las obras van mutando con el paso del tiempo y a medida que la vida marina las va colonizando. Los materiales con que se realizan y su diseño favorecen el crecimiento de los corales: El pH neutro, los orificios de diferentes tamaños para los distintos tipos de peces, cavidades para los crustáceos,…
MUSA

El propio diseño del museo favorece que se visite mediante buceo, barcos con fondo de cristal, con snorkel, o desde la superficie.

MUSAMUSA

Jason Decaires Taylor, el artista fundador del museo había trabajado anteriormente en otro museo bajo el mar, en 2006 en la Isla de Granada. En el MUSA ha instalado más de 500 esculturas.
Otros artistas mexicanos han colaborado en la creación de obras para el MUSA, como Karen Salinas, Rodrigo Quiñones, Roberto Díaz, Salvador Quiroz, o Elier Amado

El total de la colección ocupa un área de más de 420 metros cuadrados y pesa más de 200 toneladas

martes, 16 de enero de 2018

Los gigantes escondidos

Poder adentrarse en un bosque mágico habitado por gigantes de aspecto bondadoso. ¿A quién no le gustaría poder vivir una experiencia así? La imaginación y el talento de un carpintero danés lo hacen posible. Thomas Dambo (Odense, Dinamarca 1980) comenzó en 2016 un proyecto increíble: poblar las afueras de Copenhague de gigantes escondidos. Recibió el encargo de atraer turistas a la periferia de la capital  y concibió una “búsqueda del tesoro” monumental.

Con ayuda de un mapa, cualquier motivado “aventurero” debe encontrar los 6 gigantes construidos por Dambo.
Tilde
Tilde

Thomas, Trine, Louise, Oscar, Teddy y Tilde están construidos con madera reciclada, de viejos cobertizos, palets,…


El mayor, Tilde, mide 4 metros de altura y alberga más de veinte casas para pájaros. Thomas, el más largo, mide 17 metros.
Thomas
Thomas


La vida esperada de estos gigantes es de unos 10 años, transcurrido los cuales pasarán a formar parte del bosque que habitan.

Arte, fantasía, reciclaje,… todo unido en un gigante de cuento. ¿Se puede pedir más?

Thomas Dambo sigue construyendo ilusiones. En los últimos tres años ha hecho 19 esculturas más (a parte de los 6 gigantes escondidos de Copenhague), repartidas por todo el mundo. Y es que la imaginación no conoce límites ni fronteras
Trine
Trine


Oscar
Oscar

Louise
Louise
Teddy
Teddy


lunes, 18 de diciembre de 2017

Un león sin testículos


Sobre los leones del Congresos de los Diputados de Madrid hay varias curiosidades que vale la pena repasar.Leones Congreso
En primer lugar sus nombres. Mucha gente desconoce que se llaman Daioz y Velarde, como dos de los personajes más relevantes del levantamiento del dos de Mayo contra Napoleón.
Otro dato que mucha gente ignora es que los actuales leones no son los primeros. Son la tercera pareja de Leones del Congreso.

La primera pareja eran de yeso pintado, imitando el bronce. Fueron obra de Ponciano Ponzano (Zaragoza 1813- Madrid 1877). Los realizó en 1851 y utilizó unos materiales tan poco nobles debido a la crisis económica de la época. El resultado fue un desastre. En pocos meses, la lluvia y el frio dejaron en un estado lamentable a la pareja de leones.
Se decidió entonces hacer un esfuerzo económico y realizar unas obras más duraderas. El problema fue que el presupuesto de Ponzano era inasumible y se hizo el encargo finalmente a otro escultor: José Bellver (Ávila 1824- Madrid 1869)
Leones Montforte
La segunda pareja se esculpió en piedra, pero eran tan pequeños que la gente bromeaba diciendo que eran perros rabiosos y no leones fieros. Finalmente se retiraron y ahora se encuentran en Valencia, en los Jardines Montforte.
Y así llegamos a Daoiz y Velarde. Son obra de Ponzano, el escultor de los primeros leones. Para su elaboración se utilizaron los cañones que el ejército español capturó al enemigo en la Batalla de Wad-Ras, en la Guerra de África, en 1860.
Daoiz y Velarde
Tras diversas polémicas por el origen militar del bronce de las esculturas, finalmente, en 1872 se colocaron en el lugar que ocupan en la actualidad.
En 2012 se inició una campaña para solicitar que a uno de los leones le pusieran testículos, ya carecía de ellos, mientras que su compañero los lucía con orgullo.

La campaña puso de relieve una nueva curiosidad, y es que el escultor representó a Hipómenes y Atalanta, héroe y heroína de la mitología Griega que fueron convertidos en leones por la Diosa Cibeles (de hecho son los leones que tiran de su carro)
Y claro, como Atalanta era mujer, la convirtió en un león sin testículos.

domingo, 5 de noviembre de 2017

El "Realismo Austero" de Isabel Quintanilla

Hace unos días conocimos el fallecimiento de Isabel Quintanilla a la edad de 79 años. Es muy posible que mucha gente desconozca quien era esta mujer, lo cual no es noticia, ya que como tantas y tantas pintoras de este país vivía en el anonimato para el gran público. Era la más joven del grupo de “Realistas Madrileños”, junto a Antonio López, los hermanos Julio y Francisco López Hernández, María Moreno, Esperanza Parada y Amalia Avia.

El vaso (1966)
 
Nacida en Madrid en 1938, Isabel Quintanilla, ingresó en la Escuela Superior de Bellas Artes en 1953, y finalizó sus estudios seis años después. En 1960, obtuvo una beca como ayudante de dibujo en el Instituto Beatriz Galindo. Poco después de su boda con Francisco López  se trasladan a Roma. En 1982, por la Universidad Complutense de Madrid  obtuvo la licenciatura en Bellas Artes.
 
Fue una pintora excepcional, con una técnica depurada pero que jamás contó con el reconocimiento que se merecía. Era un caso más la invisibilidad de la mujer artista. “Para nosotras ha sido mucha más difícil que para nuestros maridos”, manifestó en una ocasión.


La habitación de costura (1974)
Tuvo su reconocimiento en Italia y Alemania, países en los que vendió casi toda su obra y era valorada por su estilo “realista y austero”
Nos dejó la pintora, pero nos queda su obra. Quizás ahora se reconozca su talento.


Roma (1999)


Jardín (1966)