domingo, 21 de mayo de 2017

"Eileen", el robo más surrealista de la historia


En la historia de los robos de piezas de arte, quizás el caso más surrealista sea el de “Eileen”.

El marchante de arte Scott Wilson creó en 1993 el Museo del Arte Malo, cuyas siglas en inglés MOBA (Museum Of Bad Art) juegan al equívoco con las del famoso MOMA (Museum Of Modern Art).

Se trata de un proyecto para recuperar del ostracismo a las obras que por su baja, o nula, calidad jamás iban a exponerse en un museo.


Y una de esas obras, “Eileen” by R. Angelo, encontrada en la basura (con un tajo en la tela) por Wilson y expuesta en el museo sin restaurar, fue sustraída en 1996. Los estupefactos responsables del museo ofrecieron una recompensa de 6,50 dólares a los ladrones para recuperar la obra. La cifra subió a los 36,73 dólares gracias a las aportaciones de los visitantes.


Pero la oferta no fue aceptada.

Casi diez años más tarde, los ladrones pidieron 5.000,00 dólares de rescate. No hay constancia de que se produjera un ataque risa en el museo, pero en cualquier caso no se aceptaron las condiciones de los delincuentes. Finalmente la obra fue devuelta (con el tajo en el lienzo) sin que se pagara ningún rescate por ella.




En cualquier caso, el robo de “Eileen” provocó que se colocara en el Museo una cámara de seguridad, aunque falsa, tal como avisaban en un cartel.

sábado, 8 de abril de 2017

PINTAR EL DOLOR. FRIDA KAHLO

Cuando Frida Kahlo tenía 18 años era una prometedora joven, que arrastraba las secuelas de la poliomielitis e iniciaba sus estudios de Medicina. Su única relación con el arte era haber realizado trabajos esporádicos en el taller de grabado e imprenta de Fernando Fernández Domínguez,  un amigo de su padre.

El 17 de septiembre de 1925, con 18 años, Frida sufrió un accidente gravísimo. El autocar en el que viajaba se estrelló contra un muro tras colisionar con un tranvía. La joven quedó aplastada entre los restos del autocar, con múltiples heridas: la columna rota en tres partes, las dos clavículas y varias costillas fracturadas, la pierna derecha rota por once sitios y otras muchas lesiones.

Las limitaciones de la medicina de la época hicieron que viviera a partir de aquel momento una auténtica tortura. Hasta el día de su muerte, se sometió a 32 operaciones quirúrgicas. 

La gravedad de sus lesiones recomendaban el reposo casi absoluto, y Frida Kahlo comenzó una actividad que le permitía mantenerse ocupada moviéndose lo menos posible: la pintura. Se inicia de esta forma la carrera de la artista más influyente de la pintura mejicana.

Su obra tiene una influencia clarísima de todas sus vivencias, con una presencia constante de la muerte y el sufrimiento. Podemos observarlo en uno de sus obras más simbólicas: El sueño (1940)

Se trata de un óleo de 75x98 cm, en el que vemos la cama con dosel en la que dormía la artista. Incluso se observa un esqueleto en el dosel, como el que tenía realmente. Ella se representa a sí misma durmiendo envuelta en un arbusto: la “tripa de Judas”. Se trata de una planta abundante en México que, aunque tiene propiedades medicinales en infusión, su contacto directo es muy urticante.

El esqueleto es una recreación el Papel Maché de Judas, y observamos los fuegos artificiales típicos que le ataban a esta figura para quemarla en Semana Santa. Es la forma de representar el suicidio del apóstol traidor y al hacerlo explotar se pide que libre al país de la Corrupción.

 


Por tanto, el simbolismo de esta obra es triple. Por una parte la figura de la muerte en forma de esqueleto. Por otra, los fuegos artificiales alrededor de la figura, para pedir el fin de la corrupción. Y finalmente, representada por el arbusto urticante, el dolor físico y emocional que sufría la pintora: Mientras ella yacía dolorida en su cama, se cuenta que su marido, el muralista Diego Rivera, veinte años mayor, aumentaba su fama de conquistador en otras camas.

domingo, 5 de marzo de 2017

MONDRIAN HASTA EN LA SOPA


Si alguien nos pregunta por Mondrian, seguro que nos viene a la mente uno de los cuadros más famosos del pintor neerlandés, la “composición en rojo, amarillo, azul y negro” que pintó en 1921.

Piet Mondriaan,1921-Composition en rouge, jaune, bleu et noir
Y es que, aunque Pieter Cornelis Mondriaan (Amersfoort (Paises Bajos), 7 de marzo de 1872 - Nueva York, 1 de febrero de 1944), pintó innumerables obras, incluyendo retratos y bodegones, es por sus “composiciones” por lo que es mundialmente conocido.
Los cuadrados blancos, rojos, amarillos y azules, separados por líneas negras se enmarcan en lo que se conoce como abstracción geométrica. Con ello el autor intenta encontrar la “estructura básica del universo”, representando el no-color blanco con todos los colores básicos y el no-color negro con la ausencia de color. La eliminación de las texturas, de las formas, de las curvas, busca la esencia de lo absoluto bajo la realidad.

En resumen, lo que pretende es eliminar toda representación de "lo que vemos" para dejar al descubierto su estructura, su “arte puro”.
Su influencia fue muy fuerte en sus círculos próximos, y consiguió que su concepto asimétrico traspasara las dos dimensiones gracias a Gerrit Rietveld que construyó en 1924 la casa Rielvelt Schröder en la ciudad de Utrech como un cuadro de Mondrian.
 Pero la realidad es que con el tiempo la estética ha superado el mensaje y su composición ha sido adoptada por los diseñadores como un icono por el color y la forma.


En la moda, con Yves Saint Laurent, un incondicional de Mondrian.








En objetos cotidianos, como zapatillas de deporte (Nike Dunk Low SB Piet Mondrian) y máquinas de escribir (la Modrian Typewritter de Kasbah Moderne)
 

 
Bernard Hinault en 1984
  Un maillot de ciclismo (el del equipo La Vie Claire, en los 80), un coche de carreras (el equipo francés Oreca, en Lemans), o el champú L'Oreal.
 
           Y si quieres, puedes comerte un pastel Mondrian, ...
 
 
o tomarte una sopa en una taza Mondrian
 

domingo, 19 de enero de 2014

El "Bacon" más caro lo compró una estadounidense

Finalmente el misterio se ha desvelado. Ya conocemos la identidad del comprador (en este caso, compradora) del cuadro más caro de la historia vendido en una subasta: Elaine Pascal Wynn, exesposa del magnate de los casinos Steve Wynn, adquirió el pasado noviembre el triptico de Francis Bacon Tres estudios de Lucian Freud por 104,4 millones de euros.

Poco después de la subasta de la obra se filtró que la compra la había realizado la hermana del emir de Catar, Mayasa bin Hamad al Zani, quien se ocupa de las adquisiciones para el Museo Nacional de Catar, pero este dato quedó desmentido cuando la obra se exhibió en diciembre en el Museo de Arte Moderno de Portland (EE.UU.)

Tres estudios de Lucian Freud lo subastó Christie's en Nueva York por 104,4 millones de euros con impuestos, superando así a El grito, de Eduard Munch, que era hasta entonces la obra más cotizada en una subasta por venderse en 2012 por 87,6 millones de euros.



jueves, 31 de octubre de 2013

LA ÚLTIMA BROMA DE BANKSY


Fiel a su fama de transgresor, el grafitero más famoso del mundo ha realizado un nuevo experimento para poner en evidencia al mercado del arte: poner su obra a la venta en un puesto de callejero en Central Park.

La gracia del experimento estaba en que las obras estaban firmadas y autentificadas pero no se identificaban como "Banksys", para que los posibles compradores no estuvieran influenciados por el nombre del autor. Pretendió así demostrar que lo que realmente importa para valorar una obra es la firma del autor, y no la obra en sí misma.

La experiencia se grabó con cámara oculta.

En el video se observa como en un día se venden sólo 8 cuadros, por los que ingresó 420 dólares, ya que los compradores, ajenos a la identidad del artista, llegan a regatear el precio. El último grafitti de Banksy subastado en Londres se vendió por 194.000 euros, con lo que los compradores de Central Park han hecho el negocio de su vida, sin saberlo.

En su página web, el grafitero ha manifestado que no volverá a repetir la experiencia, para evitar un aluvión de compradores.
  

sábado, 27 de julio de 2013

¿Cuánto vale mi cuadro?

Una pregunta muy habitual entre los que quieren dar el paso de aficionado a profesional es: qué precio le pongo a mis obras?

Es esta una cuestión muy importante porque, además de ser el primer paso para vender sus obras, el precio que se estipule marcará los futuros encargos del artista.

Para poder fijar el precio de una obra de arte existen varios métodos: Por costes, por comparación, por tamaño,… Vamos a verlos uno por uno.


 Por costes. Es el método que utilizan las empresas para fijar el precio de sus productos. Partiendo de la suma del coste de los materiales se aplica un margen de beneficio, que en nuestro caso será lo que queremos ganar por el tiempo dedicado. Con este sistema nos aseguramos que cubrimos los gastos, y por lo menos no tenemos pérdidas.

Este método es poco recomendable para artistas que comienzan, ya que la inexperiencia nos hace invertir mucho tiempo en las obras que realizamos. Con el tiempo adquirimos más destreza y más velocidad en hacer una obra, que seguramente tendrá más calidad. Paradójicamente, aplicando este método deberíamos vender más caras las primeras obras que las posteriores.


Por comparación. En este caso lo que hacemos es observar el mercado y buscar artistas de nuestro mismo perfil: experiencia, técnica, currículum,… El precio que pongan a sus obras puede servirnos de referencia para fijar nuestro precio.

Esta forma de fijar el precio es interesante para artistas primerizos, ya que a la vez que cogen como referencia a otros artistas de perfil similar, sirve para conocer los puntos de venta, las galerías,…


Por tamaño. Y hablando de galerías, este es su método preferido para poner precios a una obra. El sistema consiste en transformar la superficie del cuadro en puntos: así un cuadro de 15 F serán 15 puntos. Luego se multiplica por un precio por punto que se ha establecido en función de cada artista, según su cotización en el mercado.

Es un sistema que simplifica mucho el cálculo sobre todo cuando estamos valorando series de un mismo artista. De esta forma los cuadros más grandes acostumbran a ser más caros.


Por elementos. Es el sistema de los artistas por encargo, como los retratistas. Consiste en fijar el precio en función de las partes del cuerpo que se incluyen en el resultado final (cabeza y hombros, con manos, cuerpo entero,..) además de otros elementos como el fondo, ropa,…

 
Por intuición. Los artistas con buen conocimiento del mercado, con dotes comerciales y fuerte autoestima puede optar por este método. Partiendo de la base de que el precio de una obra lo marca el mercado, los artistas expertos pueden hacer una estimación de cuánto está dispuesto a pagar el posible comprador y fijar el precio en función de esa intuición.


Ahora ya sabemos cómo ponerle precio a la obra. Ya sólo queda llegar a un acuerdo con el comprador. Suerte!!!


                                  

El cuadro más caro de la historia (de momento) es "Los Jugadores de Cartas" de Paul Cézanne, pintado en 1983 y vendido en 2011 a la Familia Real de Qatar por 250 millones de dolares.


sábado, 15 de junio de 2013

El significado de los colores (III) Azul

El color azul es uno de los tres colores primarios de la luz, junto con el rojo y el verde. En pigmentación el primario es el Cian, junto con el magenta y el amarillo.

Es un color frio, contrapuesto a la gama de los rojos y naranjas (por ello se utiliza en instalaciones para diferenciar el agua fría de la caliente)

Es el color que se relaciona con la frescura (es el color del mar), y con la tranquilidad (es el color del cielo). El azul marino provoca una sensación de relajación y nos hace sentir tranquilos, como el inmenso mar durante la noche. En cambio, el azul claro es el del cielo, por tanto lo asociamos con lo perpetuo, lo que nos hace sentir tranquilidad y protección.

Por eso los azules claros se utilizan para
representar la curación y la salud. Es un color claramente espiritual. Se asocia a la belleza, a la abundancia, a la inteligencia.    

Actualmente relacionamos el azul con lo masculino, en contraposición con el color rosa para lo femenino, por la asignación que hacen los padres de los colores para los bebés. Pero históricamente el azul representaba a la mujer ya que la simbología del color giraba alrededor del agua, de la suavidad, cualidades asociadas con la figura femenina.
Incluso lo encontramos como nombre de mujer en diferentes idiomas, como en latín (Celeste, Celestina,…), o en griego (Iris,..)


En el arte religioso el azul es el color de la Virgen María, para representar el concepto de femineidad, pureza y divinidad. Se cree que la tradición de vestir a la Madre de Dios de azul se remonta a sus apariciones en el Santuario de Lourdes. La niña Bernadette aseguró que la Virgen se le apareció con un vestido celeste y una capa blanca, dando lugar a la costumbre de utilizar este color para representarla.

De hecho es un color muy utilizado en las prendas de vestir. En concreto, el Azul Índigo (el tinte habitual de los jeans), se convirtió en tremendamente popular, dado que se obtenía de una planta, la Isatis Tinctoria, con un coste de producción muy bajo.

En cambio, en la antigüedad, otros azules se caracterizaban por su altísimo coste como el azul ultramarino (que sólo se obtenía del lapislázuli) o el azul pastel (véase “Toulouse y el oro azul”). El alto precio de estos azules hacía que sólo se destinaran a clientes de alto poder adquisitivo y gusto por los objetos escasos y caros, y a obras de arte de contenido religioso. Un ejemplo es la tabla pintada al temple “Pietà” de El Greco.

 
En los negocios el azul inspira confianza, Los tonos oscuros indican autoridad, mientras que los claros implican seguridad y fidelidad. Es un color muy utilizado por los bancos y las entidades financieras por que transmite estabilidad y confianza.

    
 
 En publicidad se utiliza para representar la limpieza, es la imagen del relax de los balnearios y cruceros, ...
 
En heráldica se denomina Azur y se asocia a la majestuosidad y a la búsqueda de lo divino sobre la materia.
Un ejemplo de la imagen de categoría del azul es denominar de “sangre azul” a la aristocrácia, aunque en este caso la explicación es más sencilla: los nobles no se exponían al sol como los campesinos, lo que provocaba que su piel fuese más blanca y dejase entrever las venas, que, como las de todos los mortales, son de color azul.

En política, lo utilizan en sus logotipos la mayoría de partidos conservadores, en contraposición del rojo, que utilizan tradicionalmente los partidos de izquierdas.


 
Y finalmente, y como curiosidad, el símbolo por excelencia del "error gravísimo" es la "Blue Screen of Death" o "Pantallazo azul de la Muerte" que es la pantalla que muestra Windows cuando se produce un error del sistema.