Díaz Montero

La obra más robada de la historia

2012-02-12T19:57:00.000+01:00

«La adoración del cordero místico» tiene el record de ser la obra más robada de la historia, trece veces, pero es que además, este retablo de 1432 fue censurado, quemado, falsificado y codiciado por Napoleón y Hitler, entre otros.

Todo un cúmulo de desgracias que han forjado una leyenda alrededor de esta magistral obra del pintor flamenco Jan van Eyck, como recoge en un libro Noah Charney.
Autor del best seller «El ladrón de arte» y uno de los mayores conocedores del mundo artístico tanto desde su faceta de escritor como desde la de asesor en los mejores museos del mundo o cuerpos de policía como el FBI o Scotland Yard, Charney explica en su libro «Los ladrones del cordero místico» (Editorial Ariel) como el cuadro de Van Eyck fue censurado por las autoridades, vendido en el mercado negro, falsificado, sufrió quemaduras y amputaciones, perseguido por Napoleón y por Hitler y fue tres veces botín de guerra.

La Adoración del Cordero Místico consta de 24 paneles pintados al óleo comenzado por los hermanos Hubert y concluido en 1432 por Jan van Eyck. Iba destinado al altar mayor de la Catedral de San Bavón de Gante. En los paneles superiores se muestra a Dios flanqueado por La Virgen María y San Juan junto a un coro de ángeles. En los extremos se representa a Adán y Eva. En las tablas inferiores se representa la Adoración del Cordero.
Con los póstigos cerrados podemos a las sibilas de Eritrea y Cumas y a los profetas Zacarías y Miqueas. La Virgen María y el arcángel Gabriel estan a los lados de una ventana y un nicho. En la parte inferior se representan a Joos Vijdt (rico comerciante de la época) y a su mujer, a los lados de San Juan Bautista y de San Juan Evangelista.

El valor artístico de la obra radica, según los expertos, en la originalidad de la representación de la escena y en el uso de la perspectiva, y en que es la obra de mayor tamaño de la escuela flamenca.

El cuadro tuvo una vida tranquila durante su primer siglo de vida hasta tuvo que ser descolgado del altar para ocultarlo de los calvinistas que pretendían quemarlo en público para dar ejemplo. A partir de ese momento comienzan las desdichas de la obra, que fue repetidamente robada. Napoleón se enamoró del retablo y lo amputó para llevarse las cuatro tablas centrales a París. Tres siglos tardó en volver a estar completa la obra ya que las alas se habían robado y vendido a diversos coleccionistas. Pero no acabó ahí la historia. El retablo se escondió en una mina de sal (lo que dañó la pintura) para evitar que Hitler se adueñara de ella.

Algunos expertos que han estudiado la obra afirman que uno de los muchos paneles que se robaron no fue recuperado y fue sustituido por una copia. Sea como sea, esperemos que el retablo descanse por fin en paz.

El retablo abierto

El retablo cerrado

El increíble auténtico negocio del robo de la Gioconda

2012-01-07T20:48:00.001+01:00

París, 22 de agosto de 1911. Los guardas del Museo del Louvre descubren horrorizados que la Gioconda de Da Vinci ha sido robada. La policía francesa realizó una infructuosa investigación durante años. Llegaron incluso a detener al poeta Guillaume Apollinaire y al joven pintor español, Pablo Picasso, que acabaron confesando el robo de tres estatuillas del Museo en 1907 pero negaron su implicación en el robo de la Mona Lisa.

En diciembre de 1913 se recuperó el cuadro y se detuvo al ladrón, Vicenzo Perugia, un carpintero italiano que realizaba unas reformas en el Louvre, y que siempre tuvo la obra en su poder.

Perugia explicó que a principios de agosto de 1911 el estafador argentino Eduado de Valfierno contactó con él para ofrecerle un gran negocio: Robar la Gioconda a cambio de una suculenta cantidad de dinero. Además le prometió que la obra de Da Vinci volvería a Italia, donde debería estar. El domingo 20 de agosto Perugia se ocultó en un pequeño almacén de mantenimiento. A las 8 de la mañana del día siguiente descolgó el cuadro y oculto bajo una gabardina lo sacó del Museo.

Perugia esperó durante dos años la llamada de Valfierno pero ésta nunca se produjo. Finalmente ofreció el cuadro a un anticuario florentino, Alfredo Geri, que tras verificar que era auténtico, avisó a la Policía. Perugia fue detenido y la Gioconda expuesta en la Galleria degli Uffizi hasta que se trasladó de nuevo al Louvre el 4 de enero de 1914.

Pero, ¿qué ocurrió con Valfierno? ¿Para qué encargó el robo y luego no recogió el cuadro?

Previamente a concretar el robo con Perugia, el argentino había encargado a un excepcional falsificador francés, Yves Chaudon, que pintara seis copias exactas del cuadro, usando pigmentos, procedimientos y tablas de roble como soporte. El engaño era perfecto: una vez que se conociera el robo, seis coleccionistas millonarios norteamericanos pagarían por las seis réplicas creyendo que compraban el original. Y así ocurrió. Se estima que la estafa le reportó unos 60 millones de dólares de la época.

En 1931, De Valfierno, en su lecho de muerte le confesó a un periodista estadounidense la verdad sobre el robo y las falsificaciones. Desde entonces hay quien duda de que el cuadro que podemos contemplar en el Louvre sea el original porque bien podría ser una de las seis copias exactas.

Reconstrucción del robo de La Gioconda

Descubren el rostro del diablo en un fresco de Giotto

2011-12-22T11:53:00.001+01:00

El rostro de un diablo, oculto entre las nubes de uno de los frescos de Giotto en la basílica de Asís salió a la luz tras 800 años.
La cara del demonio, perfectamente visible por sus cuernos negros, nariz aguileña y siniestra sonrisa, fue descubierta por la medievalista Chiara Frugoni el pasado 4 de noviembre.

Vigésima escena de la vida de San Francisco de Asís, Giotto

El fresco data de 1290 y recrea la vida de San Francisco de Asís, patrón de Italia. Fue un encargo de la orden franciscana al pintor florentino Giotto de Bondone para la decoración de la Basílica superior. "En el medievo se tenía la creencia de que en el cielo habitaban indistintamente ángeles y demonios. Los primeros, llevaban las almas de los justos al Paraíso; los segundos, atraían las de los condenados", señaló Enzo Fortunato, padre franciscano responsable de la Basílica de Asís.
La basílica de Asís fue restaurada tras el terremoto sufrido en 1997, sin que nadie advirtiera la presencia de la imagen oculta.
La historiadora que descubrió la cara del diablo mientras estudiaba el fresco asegura que hasta la fecha el honor de ser el primer artista en ocultar un retrato entre las nubes se le otorgaba a Andrea Mantegna. El artista ocultó a un misterioso caballero entre las nubes de su obra “San Sebastián”, pintada en 1460.

San Sebastián, Andrea Mantegna

ME ALEGRO DE VOLVERTE A VER

2011-12-04T19:15:00.002+01:00

La primera vez que vendes un cuadro experimentas dos sensaciones contrapuestas. Por una parte, la alegría de que a alguien le gusta tanto que está dispuesto a pagar por tu obra. Y por otro lado, una cierta tristeza por desprenderte de algo único e irrepetible hecho por ti. Entregas una obra tuya con el convencimiento de que no la volverás a ver y no sabes que será de ella. ¿Pero qué pasaría si el destino se aliase con el azar y os reencontrarais?

Ocurrió el otro día. Una amiga me llamó para preguntarme si alguna vez había pintado una marina con las olas golpeando las rocas. Estaba en los Encantes y tenía delante un cuadro así, firmado por mí. Cuando llegué y lo vi me quedé sin saber qué hacer ni que decir, como si te encuentras con alguien a quien no esperaras volver a ver nunca más.

"Me alegro de volverte a ver. No esperaba que volvieramos a encontrarnos"

Estaba rodeado de muebles antiguos, lámparas y porcelanas pero destacaba del resto. El vendedor tuvo la deferencia de ponerlo en lugar destacado.

Lo vendí en hace años a la viuda de un empresario de Barcelona. Ella tenía una buena colección de obras de arte que había adquirido sobre todo por inversión. Pero mi cuadro no lo compró para invertir ya que por desgracia no tengo tanto valor como pintor. Lo compró porque le gustaba. Alguien que puede comprar cualquier cuadro del mercado quiso comprar el mío simplemente porque le gustaba. No lo colocó con el resto de su colección sino en su dormitorio, para poder ver el mar cada mañana al despertar.

He sabido que murió hace unos meses.

Me acerqué y lo cogí. Tenía un pequeño desgarro en una esquina. Por eso estaba allí, junto a una vajilla incompleta, una lámpara estropeada y otras cosas con más o menos desperfectos.

El vendedor me dejó claro que era muy valioso pero me lo dejaría a buen precio por el desgarro que tenía. Lo volví a dejar donde estaba, no tenía intención de comprarlo. Deseé que acabara en una buena casa, con alguien que lo apreciara de verdad. Entonces pensé que quizás dentro de unos años me preguntaría que habría sido del primer cuadro que vendí. No podría saber si estaba colgado presidiendo un comedor o un despacho, o en el fondo de un almacén junto a un montón de trastos, o si alguien lo habría tirado a la basura.

Pintar un cuadro debería significar poner parte de ti, de tus emociones y de tus ilusiones sobre una tela. Y en este caso fue así. Recordé el día que lo terminé de pintar y lo firmé sin estar muy seguro de que estaba acabado. Recordé cuando lo llevé a enmarcar y el rato que estuve sin decidirme por un marco u otro. Cuando iba para casa con el cuadro bajo el brazo como si llevara una obra de arte. Cuando lo enseñé orgulloso a mis amigos. Era uno de los primeros cuadros que pintaba en mi vida.

¿Qué posibilidades hay de que puedas recuperar el primer cuadro que vendes?

Sin duda no es mi mejor cuadro, pero tiene una gran historia detrás y el destino quiso que volviéramos a encontrarnos. Ya está en mi dormitorio y seré yo quien verá el mar cada mañana al despertar.

EL HUESO DE SEPIA

2011-11-15T18:51:00.000+01:00

Uno de los cuadros más sorprendentes de la historia del arte es: “Los embajadores” de Hans Holbein el Joven (Augsburgo 1497-Londres 1543), actualmente en la National Gallery de Londres. Se considera una obra maestra porque además de su riqueza simbólica muestra en el primer plano un extraño objeto.

El cuadro representa a Jean de Dinteville a la izquierda, embajador de Francia en Inglaterra junto a Georges de Selve, obispo de Lavaur, embajador ante la Santa Sede. Ambos hombres miran al frente y se apoyan sobre un mueble repleto de objetos simbólicos. En el estante superior hay una esfera celeste y diversos instrumentos de medición sobre una alfombra roja con motivos geométricos. En el inferior podemos observar un globo terráqueo, un laúd, varios libros y flautas, con lo que quedan representadas la aritmética, la astronomía, la geometría y la música.

Pero el elemento más sorprendente es la extraña figura en primer plano, a menudo llamada hueso de sepia, que intrigó durante muchos años a los estudiosos del cuadro. Hoy sabemos que se trata de un cráneo deformado por una anamorfosis, procedimiento de deformación óptica muy de moda en la Inglaterra del siglo XVI.

La forma de corregir la deformación del hueso de sepia y observar el cráneo es utilizar una cuchara. Debe ponerse en la parte superior derecha del hueso, con el dorso de la cuchara apuntado a la izquierda y perpendicular a la imagen modificando su orientación.

Para los historiadores Oskar Bätschmann y Pascal Griener en Los embajadores: "Las ciencias y las artes, objetos de lujo y gloria, se miden contra la grandeza de la Muerte"

Los seis dedos de San Sixto

2011-11-03T13:29:00.000+01:00

Observando con detenimiento algunas obras del Renacimiento Italiano podemos encontrar ciertas curiosidades nacidas del simbolismo que en muchas ocasiones el pintor quería manifestar.
Una de esas curiosidades se encuenta en la obra de Rafael de Sanzio (Urbino, 1483 - Roma, 1520), también conocido como Rafael de Urbino o, simplemente, como Rafael, y consiste en el hecho de que algunas de las figuras representadas en sus cuadros tienen seis dedos.

Una de estas obras es “La Madonna de San Sixto”, pintada en 1516. El pintor dibujó seis dedos en la mano derecha del Papa Sixto IV, que acompaña a Santa Bárbara, a la Virgen María y al niño Jesús, junto a una pareja de querubines.
El motivo de la anomalía no es que el Papa tuviera realmente seis dedos, ni que Rafael se equivocara al contar, sino en el simbolismo que el número seis tenía en el siglo XVI: representaba la capacidad de tener un sexto sentido o la capacidad para interpretar sueños proféticos. En este caso está claro el valor simbólico, porque ademas de los seis dedos, en el cuadro hay seis figuras y Sixto significa seis en latín.

Los seis dedos no son un hecho aislado, ya que Rafael lo volvió a repetir en el cuadro “Los desposorios de la Virgen”, donde pintó también seis dedos en el pie izquierdo de San José.

LA BURLA DE LIVORNO

2011-10-14T21:39:00.000+02:00

Este mes de octubre se cumplen 27 años de uno de los más sonados engaños de la historia del arte: La Burla de Livorno.
En 1984 cinco jóvenes italianos con casi nula formación artística quisieron poner en evidencia a los intocables críticos de arte. Y lo consiguieron.
Presentaron en sociedad unas supuestas obras de Modigliani, dos cabezas esculpidas que afirmaron haber encontrado enterradas. A pesar de que, tal como confesaron cuando descubrieron la farsa, las modelaron en un material "que nunca había utilizado el genio de Livorno" y que las hicieron "lo más feas posible" para ayudar a los expertos a descubrir la falsificación, consiguieron engañar a catedráticos como Carlo Giulio Argan (ex alcalde de Roma) y a historiadores como Cesari Brandi, que al ver las obras exclamó: "Son de Modigliani. Tienen su luz interior. Se nota su aliento y su presencia".
También cayeron en el engaño los científicos que examinaron las cabezas para verificar su autenticidad. Llegaron a manifestar que las manchas verdes de las obras demostraban que habían permanecido durante años enterradas, cuando en realidad eran restos de la hierba sobre la que arrastraron las cabezas los jóvenes embaucadores.
La mayoría de los expertos que quedaron en ridículo por el caso de las cabezas malditas de Modigliani, estuvieron un tiempo sin aparecer en público para evitar las burlas de colegas y público en general.
Pero si algo tienen en Italia es que saben sacarle partido a todo: Los cinco jóvenes vendieron las falsificaciones a buen precio, presentaron en el Festival de Cine de Turín un documental con el proceso de fabricación de las cabezas y la empresa Black & Decker (con cuyas herramientas se esculpieron las piedras) lanzó una campaña publicitaria al respecto.
Los cinco jóvenes querían demostrar y demostraron que "el arte es sólo ilusión" y que muchas veces vemos lo que queremos ver.

"Tête". Obra autentica de Modigliani vendida en París en 2010 por 43 millones de euros

"Abstracción pictórica, 1949-1969”

2011-09-01T13:18:00.000+02:00

Hasta el 8 de enero de 2012 el museo Guggenheim Bilbao presenta la exposición 'Abstracción Pictórica, 1949–1969', que incluye obras de Rothko, Jackson Pollock y Lucio Fontana, entre otros. Con esta muestra el Guggenheim investiga las tendencias artísticas que pudieron observarse en Europa y en Estados Unidos en el periodo que corresponde a la Guerra Fría. Tras la devastación de la Segunda Guerra Mundial, la pintura europea recurrió "a la hibridación y a la síntesis, en contra de los valores utópicos y experimentales anteriores", como se dice en la nota de prensa de la exposición. Además, el arte era la mejor forma de liberación para un buen número de artistas que vivían bajo regímenes autoritarios.

A su vez, Jackson Pollock lideraba un colectivo de pintores americanos que desarrollaban un particular estilo artístico expresivo, basada en el gesto, llamado Expresionismo Abstracto. Tal como la exposición explica: "la pintura americana de posguerra se caracterizó por su gran diversidad, más allá de los lienzos gestuales de quienes practicaban la Pintura de Acción", el "Action Painting".

"Abstracción pictórica, 1949-1969: Selecciones de las Colecciones Guggenheim”' incluye unas 80 obras de 60 artistas, procedentes del Museo Solomon R. Guggenheim,de la colección de Peggy Guggenheim y del propio Museo Guggenheim Bilbao. Algunas de las piezas que podrán contemplarse son "Ocean Greyness" de Jackson Pollock (1953), y el enorme cuadro "Harran II" de Frank Stella (1967).

Ocean Greyness (1953) Jackson Pollock

Harran II (1967) Frank Stella 305x610 cm

PICASSO EN PALESTINA

2011-07-14T18:07:00.000+02:00

La exposición más pequeña de la obra de Pablo Ruiz Picasso se inauguró el pasado 24 de junio en la ciudad palestina de Ramala. Consta de un único cuadro: "Buste de femme" (Busto de mujer) y llega en préstamo del Van Abbemuseum de Eindhoven (Holanda). La iniciativa corresponde a la Academia Palestina de Arte, que en 2010 hizo la petición de poder exhibir una obra de Picasso. El cuadro es la obra de más valor del museo holandés y, evidente, es la obra de arte occidental más importante que se haya exhibido nunca en Cisjordania. Es la pieza central de la exposición "Picasso en Palestina", cuyo objetivo es que los palestinos tengan la posibilidad de aproximarse a uno de los más influyentes pintores occidentales.
Para poder realizar el sueño de Jalid Horani, director de la Academia Palestina han sido necesarios dos años de negociación, superar todo tipo de trabas políticas y burocráticas y la escolta de una compañía de seguridad israelí.
"Buste de femme" es un óleo de 100 por 80 centímetros, representa la interpretación cubista en diversos tonos de gris de un rostro de mujer y está valorado en cinco millones de euros.
Para Charles Esche, director del Van Abbemuseum el cuadro de Picasso “se verá cambiado por su viaje a Ramalá. Adquirirá un significado adicional, y la historia será parte de la historia del cuadro".
En la inauguración se congregaron más de doscientas personas, incluído el primer ministro palestino, Salam Fayad.
Jóvenes artistas, expatriados, familias enteras y personas que no quieren perderse un momento histórico en su país hacen largas colas en la escalera de acceso al edificio. La policía sólo permite el acceso de dos en dos para contemplar durante un máximo de medio minuto la obra del artista malagueño.
El cuadro se expone custodiado, pero lo que está claro es que una vez más el arte se ha impuesto a la política, a la religión y a la sociedad.

Buste de Femme (1943)

ANTONIO LOPEZ. RETROSPECTIVA EN EL MUSEO THYSEN

2011-07-02T12:19:00.001+02:00

Cuando con sólo 14 años llegó a Madrid desde Tomelloso, Antonio López tenía muy claro que quería dedicarse a pintar. Se inició en el dibujo en la Academia de Bellas Artes de San Fernando y aprendió a amar el arte clásico. Su innato dominio de la técnica pictórica, mundialmente reconocido, puede apreciarse con toda su intensidad en la retrospectiva que desde el pasado 27 de junio y hasta el 25 de septiembre recoge el Museo Thysen de Madrid. 130 obras seleccionadas por su hija María (comisaria de la exposición) y por el conservador del museo, Guillermo Solana, que resumen una vida dedicada al arte hiperrealista: La mujer de Coslada, La terraza de Lucio, Membrillero, Madrid desde la torre de bomberos de Vallecas, Madrid desde Torres Blancas ... La conocida lentitud de Antonio López para concluir sus obras ha hecho que a la vez que escasas sean sorprendentes las nuevas obras que ofrece al ansioso espectador.
Sin duda, una exposición imprescindible.

NAPOLEON, EL CABALLO PINTOR

2011-06-05T15:51:00.000+02:00

El pasado 26 de mayo, en la sala de exposiciones Mutt (C/Comerç, 15) se inauguró una “curiosa” exposición de cuadros titulada “Abstracción en el establo”. Curiosa no por los cuadros sino por el artista: Napoleón, un caballo frisón holandés de pura raza. Se trata de una muestra de obras pictóricas realizadas conjuntamente por el artista Sergio Caballero y el citado frisón negro de cuatro años. La parte humana de las obras se limita al fondo de los cuadros: fotos de Oporto y retratos de monos. Sobre ese fondo fotográfico el caballo deja ir su creatividad y un pincel mojado con fuertes trazos. Un estilo definido por Sergio Caballero como “expresionismo abstracto o arte conceptual”.

Al margen de la anécdota, deberíamos reabrir el debate del valor del arte, de quien marca el ritmo, de quien decide la calidad de una obra, y bajo qué criterios. Los cuadros de Napoleón & Caballero tienen un precio que está entre los 3.600 y los 6.000 euros. El día de la inauguración se vendieron dos.

EL HOMBRE DE VITRUVIO (I)

2011-05-15T19:53:00.000+02:00

El Hombre de Vitruvio, dibujo realizado por Leonardo da Vinci en torno a 1490 con lápiz y tinta, mide exactamente de 343x245 mm, se expone en la Galerie dell'Academia de Venecia y está basado en el primer capítulo del libro De architectura de Marco Vitruvio Polion.
En el texto, Vitruvio establece las diferentes proporciones del cuerpo humano basándose en los cánones griegos. Leonardo da Vinci usó estas proporciones y les hizo algunos añadidos y correcciones, para dibujar su Hombre de Vitruvio.

La figura está dentro de un cuadrado y de un círculo. El cuadrado está centrado en los genitales, y el círculo en el ombligo, siendo la relación entre el lado del cuadrado y el radio del círculo lo que conocemos como Razón Áurea.

Algunas de las proporciones que estableció Leonardo son:

La longitud de los brazos extendidos (envergadura) de un hombre es igual a su altura.
Una palma equivale al ancho de cuatro dedos.
Un antebrazo equivale al ancho de seis palmas
La altura de un hombre son cuatro antebrazos.
La distancia entre el nacimiento del pelo y la barbilla es un décimo de la altura de un hombre.
La altura de la cabeza hasta la barbilla es un octavo de la altura de un hombre.
La altura de la cabeza hasta el final de las costillas es un cuarto de la altura de un hombre.
La anchura máxima de los hombros es un cuarto de la altura de un hombre.
La distancia del codo al extremo de la mano es un quinto de la altura de un hombre.
La distancia del codo a la axila es un octavo de la altura de un hombre.
La longitud de la mano es un décimo de la altura de un hombre.
La distancia entre el nacimiento del pelo y las cejas es un tercio de la longitud de la cara.
La distancia desde la planta del pie hasta debajo de la rodilla es la cuarta parte del hombre.
La distancia desde debajo de la rodilla hasta el inicio de los genitales es la cuarta parte del hombre.
El inicio de los genitales marca la mitad de la altura del hombre.

El dibujo también es a menudo considerado como un símbolo de la simetría básica del cuerpo humano y, por extensión, del universo en su conjunto.

EL SALVADOR ADOLESCENTE

2011-04-29T21:46:00.001+02:00

El próximo 7 mayo se presentará en la National Gallery de Londres una obra enigmática en cuanto su paternidad y fascinante por su belleza: El Salvador Adolescente.

El cuadro, procedente del Museo Lázaro Galiano de Madrid mide sólo 25 centímetros de alto por 18,5 de ancho, pero el hecho de que el mundo del arte no sepa con certeza si es obra de Leonardo da Vinci o no, lo han convertido en la joya del museo.

A lo largo de los años se atribuyó a Leonardo, posteriormente a su círculo de influencia y en la actualidad a Giovanni Antonio Boltraffio, discípulo del pintor. Ahora, la National Gallery, una de los principales museos del mundo, toma partido por la primera opción al incluir la obra en su nueva exposición: Leonardo da Vinci, el pintor de la Corte de Milán.La obra representa el busto de un Jesucristo infantil con melena rubia cayéndole por los hombros y vestido con una túnica. Su cara andrógina, su boca entreabierta y su mirada indefinida (tan ambigua como la que presenta La Gioconda) parecen pertenecer al estilo inconfundible de Da Vinci.

El cuadro fue comprado por el mecenas Lázaro Galdiano en 1923 al anticuario José Domínguez Carrascal por 850 pesetas, que a su vez lo adquirió de un convento de Valladolid.

Sea o no obra de Leonardo, lo que está claro es que El salvador adolescente no dejará a nadie indiferente.

EL ARTE DE COMER

2011-04-15T13:31:00.000+02:00

¿La cocina es arte? Hasta el dia 26 de junio puede visitarse en la Sala de exposiciones de La Pedrera (Passeig de Gràcia, 92) la muestra El Arte del Comer: De la naturaleza muerta a Ferran Adrià.

A través de 130 obras queda demostrado que la comida ha servido de inspiración para un buen número de artistas a lo largo de la historia. Desde los bodegones barrocos (con la gran opulencia de los pintores flamencos) a las vanguardias (con un punto de crítica social).

La muestra nos lleva de la pintura al audiovisual pasando por la fotografía. Desde lo escatologico (La "Mierda de artista nº 68" de Piero Manzoni), lo provocador ("El invitado" de Joan Brossa), lo sorprendente (el sillón hecho de trozos de carne, de Jana Sterbak) al arte humorístico ("Love letter # 7, de Wim Delvoye)

Mierda de artista nº 68

El convidat

Sillón de carne

Love letter

La exposición acaba con Ferran Adrià de protagonista, y su participación en Documenta 2007, y con las fotografias de los platos del Bulli hechas por Francesc Guillamet.

¿La cocina es arte? La exposición de la Pedrera no resuelve esta duda pero demuestra que la cocina ha sido y serà fuente de inspiración para el arte.

Matemáticas en el arte (II)

2011-04-03T20:06:00.003+02:00

La proporción perfecta era para los griegos de la antigüedad clásica el camino a la salud y a la belleza. Euclides en el año 300 a. C. estableció que la Proporción Aurea constituía la base en la que se fundaba el arte y la arquitectura griegos; el diseño del Partenón de Atenas está basado en esta proporción. En la Edad Media se creía que encarnaba la perfección de la creación divina. Muchos artistas a lo largo de los años la han utilizado.

No hay duda de que la armonía puede expresarse mediante cifras, tanto en la pintura, en la arquitectura, en la música o incluso en la naturaleza. En el cuerpo humano, los ventrículos del corazón recuperan su posición de partida en el punto del ciclo rítmico cardiaco equivalente a la Sección Áurea. El rostro humano incorpora este ratio a sus proporciones. Si se divide el grado de inclinación de una espiral de ADN o de la concha de un molusco por sus respectivos diámetros, se obtiene la Sección Áurea. Y si se mira la forma en que crecen las hojas de la rama de una planta, se puede ver que cada una crece en un ángulo diferente respecto a la de debajo. El ángulo más común entre hojas sucesivas está directamente relacionado con la Sección Áurea.

Las dimensiones de la Cámara Real de la Gran Pirámide se basan en la Sección Áurea; el arquitecto Le Corbusier diseño su sistema Modular basándose en la utilización de la proporción áurea, el pintor Mondrian basó la mayoría de sus obras en la Sección Áurea, Jan Vermeer (1632-1675) la usó en Holanda: Leonardo la incluyó en muchas de sus pinturas y Claude Debussy se sirvió de sus propiedades en la música. La Sección Áurea también surge en algunos lugares inverosímiles: los televisores de pantalla ancha, las postales, las tarjetas de crédito y las fotografías se ajustan por lo común a sus proporciones.

Después de Leonardo, artistas como Rafael y Miguel Ángel hicieron un gran uso de la Sección Áurea para construir sus obras. La impresionante escultura de Miguel Ángel El David se ajusta en varios sentidos a la divina Proporción, desde la situación del ombligo con respecto a la altura, hasta la colocación de las articulaciones de los dedos.

Los constructores de las iglesias medievales y góticas y de las catedrales europeas también erigieron estas asombrosas estructuras para adaptarse a la Sección Aurea. En este sentido, Dios realmente estaba en los números.

Matemáticas en el arte (I)

2011-03-30T10:46:00.000+02:00

LA DIVINA PROPORCIÓN

Durante años ha existido el mito de que los antiguos artistas griegos utilizaban una proporción numérica muy concreta que cumplía con el ideal de belleza y geometría. Se trata de la divina proporción o proporción áurea.

Los últimos estudios ponen en duda la conexión de esta proporción con la estética griega, pero sigue manteniendo su atractivo como modelo de belleza.

Su origen es matemático y surge de la proporción entre dos segmentos tales que el cociente entre el mayor y el menor sea igual al cociente que resulta entre la suma de los dos segmentos y el mayor, es decir, si A es el segmento mayor y B el menor la ecuación es: A/B =(A+B)/A

Cuando se resuelve se llega a una ecuación de segundo grado que necesita para obtener la solución una resolvente cuadrática. El valor numérico de esta razón, que se simboliza normalmente con la letra griega "fi" (Φ) es 1,618034 ...

Y este valor se repite constantemente en la naturaleza y en el arte

¿Cuánto vale una obra de arte?

2011-03-19T19:55:00.003+01:00

Don Thompson, profesor de ciencias económicas, en su libro "El tiburón de los doce millones de euros" (Ed. Ariel) reflexiona sobre el mercado del arte y sobre la hipótesis de que el valor de una obra depende del marketing y de la codicia del comprador y no de su valor real.
Cuenta en su libro una anécdota que por contundente se considera casi una leyenda urbana: El crítico gastronómico del Sunday Times, Adrian Gill tenía en su poder un retrato de Stalin que había adquirido por 200 libras. Acudió a la sala Sothebys para subastarlo, pero lo rechazaron porque consideraron que carecía de valor. Entonces el crítico tuvo una idea. Fue a visitar a Damien Hirst, el artista británico más cotizado en la actualidad. Hirst es famoso por sus animales muertos colocados en tanques de formol (uno de ellos, un tiburón, se vendió por doce millones de euros. De ahí el título del libro de Thompson). Gill le propuso al artista que hiciera algo humorístico con el cuadro, como pintarle un bigote, unas gafas o algo parecido. Hirst pintó una nariz roja en el retrato y firmó la obra. Esta vez no sólo lo admitieron en Sothebys sino que incluso los críticos admiraron la fina ironía del mensaje y cómo un simple detalle ridiculizaba todo un periodo histórico de la URSS.
¿Cuánto vale una obra de arte? ¿Por qué antes no tenía valor y sólo porque un artista cotizado lo manipula se considera valioso? Quizás deberíamos reflexionar entre todos y dejar de convertir el arte en un negocio y que vuelva a ser un sentimiento que el artista quiere compartir con quien observa su obra.
Por cierto, el retrato de Stalin con la nariz roja alcanzó en la subasta los 150.000 dólares

Exposició AACCA

2011-03-17T17:34:00.004+01:00

El pasado 14 de enero se inauguró en el Centre Cultural La Farinera la segunda exposición colectiva de la Associació d'Artistes del Clot Camp de l'Arpa

AACCA